imagen digital

NOTAS 60%

2010-11-25T14:53:00.000-08:00

Hola gente.

He revisado y e di cuenta de que cometi un error en el computo de las notas del 60%. Lo he corregido y les cuelgo las correctas. Los 3 ejercicios estan computados asi: del 60% el primer ejercicio vale 20% el segundo y el tercero 40% cada uno. Me preocupa que hay varios que me deben entregas. Por favor si hay algun error comuniquense conmigo.

	intro	roto	abst	60%
Acevedo Herrera, Denisse	44	40	42	41,6
Acosta Otero, Daniel Francisco	42	41	40	40,8
Caicedo Sanchez, María Julian	43	47	43	44,6
callejas Alejandro	10	40	42	34,8
Castillo Gutierrez, Jeisson	41	43	10	29,4
Cortazar Triana, Maria Ximena	42	43	40	41,6
Cortés Avella, Manolo Esteban	10	10	40	22
Espitia Beltrán, Lina Marcela	45	40	38	40,2
García Leaño, Juliana	40	41	40	40,4
Ortiz Lopez, Daniela	42	10	42	29,2
Osorio Millán, Diana Carolina	40	10	38	27,2
Pérez Rojas, Camila	40	42	38	40
Pulido Muñoz, Angélica María	40	10	35	26
Valencia Saldarriaga, Christian	46	40	40	41,2
Vélez Mulford, Andrés felipe	40	41	42	41,2
Manrrique, Luisa	40	35	42	38,8
Mendez, Santiago	40	43	40	41,2
Monroy, Ana	10	10	44	23,6
Pineda, Marcela	10	10	40	22

Filmogtrafía clase 07

2010-09-16T13:33:00.000-07:00

Richard Linklater
WAKING LIFE
2002

Bob Sabiston
http://www.flatblackfilms.com/Flat_Black_Films/Films/Films.html

Tony Comley
Abigail
2005
http://www.tonycomley.com/index.html

Cesar cabral
DOSSIÊ RÊ BORDOSA
2008

Wendy Tilby-Amanda Forbis
When The Day Breaks (NFBC)
1999

Filmogtrafía clase 05

2010-08-26T13:31:00.000-07:00

Michaël Dudok De Wit
The Monk and the Fish - (1994)

Erika Russel
Feet of Song (1988)

Nina Paley
All Creative Work is Derivative (2010)

Jan Svankmajer
Flora (1989)

Filmogtrafía clase 04

2010-08-19T14:19:00.000-07:00

Zbigniew Rybszynski
Tango, Studio SeMa, 1980

Norman McLaren
Canon, 1964
Blinkity Blank, 1955

Len Lye
A Color Box, 1935
http://www.youtube.com/watch?v=T3y1offmJ4Y
Free Radicals, 1958

Oskar Fischinger
Komposition in blau , 1935
Allegretto, 1936

Ryan Larkin
Walking, 1968

Zdenko Gasparovic
Satiemania, 1978

Filmografía clase 03

2010-08-19T12:31:00.000-07:00

Ed Emshwiller
Thanatopsis 1962

Virgil Widrich
Fast Film, 2003

June Bum Park
I Parking, 2002
http://vimeo.com/134847
http://www.experimenta.org/vanishingpoint/park.htm

Bill Viola
The Reflecting Pool, 1979
http://www.youtube.com/watch?v=D_urrt8X0l8
http://www.billviola.com/

Jan Svankmajer
Byt (The Flat), 1968

Christopher Hinton
Nibbles, 2003

bienvenidoa a IAC I

2010-08-12T10:27:00.000-07:00

Hola Gente.
Les estoy colgando una seleccion de los mejores trabajos de la primera entrega.
Bienvenidos al curso.

notas 60%

2010-05-20T16:13:00.000-07:00

notas del 60%

por favor comuniquense conmigo pronto en caso de tener dudas sobre sus notas.

Lipsync Guarro

2010-04-15T10:23:00.000-07:00

La idea que permite que el método que expondremoa a continuación funcione; es que lo principal para dar la impresión de sincronía en una secuencia de diálogo es hacer coincidir correctamente los silencios. Esto es algo muy conocido tanto por los realizadores de anime televisivo como por los directores de doblaje de películas.

Para empezar prepararemos en flash el rostro de nuestro personaje como una capa. Deberá dibujarse sin boca. En el ejemplo hice 3 dibujos para producir un pequeño temblor en la línea. Exportaremos la secuencia de rostros como png 24 bits con alpha. Para exportar en flash se deben ocultar las capas que no nos interesan, asegurarse de que todas las capas que no exportare son guías. Botón derecho sobre la capa y seleccionakos la opcion Guía. Y que la capa que exporto no sea guia. Vamos entonces a Archivo > Exportar > Exportar Película creamos una carpeta para cada secuencia, le damos un nombre a la raiza de la secuencia en este caso cara y seleccionamos la opcion PNG secuence. En la opcion de tamaño escogemos tamaño del documento.

Ahora dibujaremos una secuencia de boca cerrada bastan tres bocas para tener también un ligero temblor de línea. La exportamos de la misma manera como secuencia de png.

Ahora generaré dos secuencias de visemas (el aspecto visual de los fonemas) la idea es intercalar bocas abiertas y cerradas e incluir los visemas mas importantes: A, O, M. Las dos secuenciaqs debe ser diferentes en intensidad o intención.

En este ejemplo hicimos una secuencia normal:

Una secuencia hablando de lado:

Debemos tener ahora cuatro secuencias en sendas carpetas.

- cara
- bocacerrada
- bocanormal
- bocalado

Insisto en la importancia de mantener el material bien organizado. Las carpetas nombradas y las secuencias con nombres coherentes. Esto hara que el trabajo sea más eficiente.

Abrimos After Effects importamos las cuatro secuencias de imagenes y la secuencia del audio. Creamos una secencia del tamaño de la secuecnia de la cara y colocamos la cara y la secuencia de audio.

Ahora abrimos el waveform del audio y comenzamos a identificar los silencios del dialogo y a colocar un fragmento de la secuencia de boca cerrada coincidiendo con cada silencio.

En estos momentos nuestra secuencia se ve así:

Lo que haremos ahora sera interpolar las secuencias de la boca hablando entre las secuencias de boca cerrada.

Se puede ajustar un poco las secuencias para que algunos fonemas coincidan con su visema correspondiente. En este caso tarde más o menos 15 minutos para preperar estos 15 segundos de lipsync em after effects.

rotoscopia 2

2010-03-17T15:30:00.000-07:00

La rotoscopia consite en untilizar registro audiovisual como referencia sobre la cual animar. Puede hacerse mediante dibujo, tecnicas pictoricas, animación de fragmentos como el e cut out e incluso existen técnicas automáticas de seguimiento que nos permiten hacer que ciertos objetos sigan el movimiento de una secuencia de video y otras técnicas que permiten darle el aspecto de dibujo a imagenes registradas.

Aquí señalaremos los pasos para realizar una rotoscopia dibujada en Flash a partir de material de video.

Seguiremos los siguientes pasos generales:

Rodaje.
Captura y preparación del material
Importación a flash
Preparación del proyecto para dibujar
Dibujo
Exportación de las secuencias
Importación a After Effects y edición final

1. Rodaje
Al capturar el material debemos tener en cuenta la iluminación y el contraste para tener una referencia correcta para la rotoscopia. En ocasiones es necesario preparar el vestuario o incluso agregar algun disfras que sirva de referencia. Por ejemplo si quiero crear un ser de enorme cabeza a partir del modelo rotos copiado, podría prepoarar un casco que emule asi sea remotamente la forma final. a la hora de dibujar la referencia de la forma sera importante.

2. Captura y preparación del material

Algunas consideraciones sobre el uso del video como referencia.

El apect ratio del video. El pixel es la unidad mínima que se usa para definir el tamaño de una imagen digital. Podemos suponer que una imagen con igual cantidad de pixeles en la anchura y la altura debería representar un cuadrado. Pero esto no es siempre así. Por motivos técnicos e históricos el aspecto de los pixeles en la imagen de vídeo cambia de aspecto. Los formatos estándares en los formatos NTSC y PAL son:

PAL-----------768×576(1,0)----------720×576 (1,07)
NTSC---------720×534(1,0)----------720×486 (0,9)

Al dibujar sobre referencia de video es necesario entonces tener claro el aspecto del material que estoy utilizando como referencia para no tener problemas de deformación. Esto es especialmente importante en los casos que necesitamos volver a mezclar la rotoscopia con el pietaje original de video.

Existen dos caminos:

a - Una posibilidad es trabajar sobre una composición con el mismo tamaño y aspecto que nuestra película capturada. Muchos programas de trabajo de imagen (photoshop por ejemplo) permiten ajustar el aspecto de visualización al aspect ratio del material. En ese caso se puede trabajar sobre el aspecto correcto. En el caso de trabajar en programas que no hagan el ajuste toca tener en cuenta que trabajaremos el dibujo sobre un aspecto incorrecto que se corregirá al traer la secuencia de regreso a After Effects

b - El otro camino es crear una composición en pixeles cuadrados que corresponda con el formato del video original. Para NTSC seria de 640 x 486. Tambien sirve el formato de 720 x 540 si se quiere tener mas información. Pero en este caso sería necesario escalar la imagen hasta que llene el cuadro. La proporción de ampliacion d ela escala es de 110 %.
En este caso que pensamos hacer la rotoscopia sobre flash es el método recomendado.

Más información sobre Pixel Aspect Ratio:

http://www.efectohd.com/2008/01/el-misterio-del-pixel-aspect-ratio-una.html

En After Effects importaremos el video. Crearemos una composicón que tenga exactamente el mismo tamaño y frame rate que mi video.
Traemos el video a la composición.
editaremos el vídeo y configuraremos la Zona de trabajo para que solo abarque el fragmento sobre el que queremos hacer la rotoscopia.

Aplicaremos al layer efectos de corrección de color y contraste para que la referencia sea mas nítida.

Con Ctrl-M ordenamos hacer un render de la secuencia. En las opciones de render ajustaremos el frame ratio a 10 fps. En las opciones del Output Module configuramos el formato en JPG secuence y alli mismo en Format Option le damos calidad Baja. En las opciones de Output creamos una carpeta donde se rendereará la secuencia y le damos un numbre raíz reconocible. Hacemos render.

3. Importación a Flash

Creamos un proyecto nuevo en Flash
Configuraremos el tamaño del lienzo en flash al tamaño de la imagen exportada. Modify > document alli en Dimensions damos en tamaño en pixeles. Además configuramos el frame rate a la velocidad en que exportamos la secuencia. En este caso 10fps.
Ahora importaremos la secuencia File > Import > Import to Stage buscamos la carpeta donde tenmos la secuencia y seleccionamos el primer frame, damos Open. Flash reconocera que se trata de una secuencia numerada y sacara un cartel donde propone importar todas las imágenes de la misma. Damos aceptar. Se abrirá la secuencia en un layer del timeline dando un fotograma para cada frame.

4. Preparación del proyecto para dibujar

Ahora crearemos una layer nuevo. En la esquina inferior izquierda del time line esta un icono como una pagina levantada en una esquina alli se crea el uevo layer. Nos aseguramos que se encuentre sobre el primer layer. Si no lo esta lo tocamos con clic izquierdo y lo arrastramos hasta que quede por encima.
Sobre el nuevo layer crearemos un rectángulo solido. En la barra de herramientas selecionamos:
Hacemos que el rectángulo tenga el mismo tamaño del lienzo. Le cambiamos el color a un tono claro en las propiedades que se abriran en la opción fill.
Ahora convertiremos el rectángulo a simbolo. con el rectángulo seleccionado vamos a Modify > Convert to Symbol escogemos la opción Graphic en la ventana que se abre. Damos Ok.
Aparecera un nuevo juego de opciones en la ventana de propiedades. En la sección Color Filter escogemos Alpha nos aparecera un control que nos permite darle mayor o menor grado de opacidad. Lo dejamos en un punto medio. Utilizamos esta capa para quitarle saturación a la imagen de referencia de modo que nuestra línea no se pierda sobre la referencia.
Ahora convertimos estas dos capas en capas guia para que al momento del render o del preview no aparezcan. Damos clic derecho sobre la capa y seleccionamos Guide.
Creamos una nueva capa que colocaremos arriba de las otras. Esta es la capa sobre la que dibujaremos. Selecionamos todo el tiempo de la capa y damos a la tecla de función 6 en el teclado (F6). Esto creará una serie de fotogramas vacios, los diferenciamos de los otros por que los vacíos tienen un pequeño círculo blanco en lugar del punto negro.
Antes de comenzar a dibujar bloquearemos las capas de guía para que no podamos mover ni editar la referencia. Esto se ace activando el candadito en las opciones que están a la izquierda de las capas. Ya estamos listos para comenzar a dibujar.

5. Dibujo

Podemos utilizar tanto el lapiz como el pincel para dibujar. El lápiz mantiene la línea de un grosor constante. Además tiene 3 opciones de suavizado. El pincel da variaciones de grosor de línea, por velocidad angulo y presión si se trabaja con tableta gráfica.
Una recomendación es dividir por capas los elemnetos a dibujar. Por ejemplo el pelo en una capa, la cara en otra y el cuerpo en otra. Esto permite que a la hora de editar las secuencias en posproducción podamos darle un acabado mas preciso a cada parte del dibujo. Ademas trabajar por elementos por separado es mas rápido que acabar cada dibujo completo de una vez.
Cada vez que creemos una nueva capa debemos bloquear todas las otras capas. De este modo me aseguro de no dañar mi trabajo al dibujar sobre la capa equivocada.
Si trabajamos con el pincel hay que tener en cuenta que el grosor de la línea tambien varía segun el nivel de zoom en que nos encontremos asi si estamos viendo el dibujo de lejos la línea se dibujará más gruesa y viceversa.

6. Exportación de las secuencias

Exportaremos las secuencias como png a 24 bits con alpha. Para exportar en flash se deben ocultar las capas que no nos interesan, asegurarse de que todas las capas que no exportare son guías. Botón derecho sobre la capa y seleccionakos la opcion Guía. Tambien debemos asegurarnos de que la capa que exporto no sea guía.
Vamos entonces a Archivo > Exportar > Exportar Película creamos una carpeta para cada secuencia, le damos un nombre a la raiz de la secuencia y seleccionamos la opción PNG secuence. En la configuración de exportación escogemos Area de imagen mínima y 24 bits con canal alpha.
Repetimos este proceso con cada capa que haya creado. Es muy importante ser organizado con el proyecto. Colocar todo el material en una carpeta de proyecto donde cada secuencia tenga su nombre diferencial y su carpeta específica.

7. Importación a After Effects y edición final

Ahora en after effects importaremos una a una las secuencias que hemos creado. Recuerden que para impotar una secuencia basta con seleccionar la primera imagen de la misma y aseguarse que este activada la opcin PNG secuence.
Una vez importadas las secuencias es necesario determinar la velocidad de reproducción de cada una after por defecto le dara una velocidad de 30 fps damos botón derecho sobre cada una de las secuencias y vamos a Interpretar material > Principal y alli escogemos aplicar la siguiente frecuencia de fotogramas y ponemos 10.
En el caso de que hayamos trabajado sobre Pixeles cuadrados 720×534 para NTSC debemos dejar el aspecto del pixel en pixeles cuadrados en caso contrario debemos poner NTSC D1/Dv

Para ampliar la información sobre el tema
http://www.efectohd.com/category/rotoscopia

Filmografia clase 3

2010-02-11T16:58:00.000-08:00

Driessen, Paul

The End of the World in Four Seasons, NFBC (1995)

Mc Laren, Norman

Dots, NFBC (1940)

Conouyer, Michèle

Le Chapeau, (1999)

Ed Emshwiller

Thanatopsis, (1962)

Christopher Hinton

Blackfly, (1991)

Svankmajer, Jan

Jidlo, BBC (1992)

Fischinger, Oskar

Allegreto, (1939)

Ortodoxa vs experimental

2010-01-28T13:22:00.001-08:00

Es pertinente resumir las señas que diferencian la animación Ortodoxa de la Experimental.

Paul Wells, Understanding Animation, Routledge, Londres, 1998

Figuración - Abstracción: Mientras la mayoría de los cartoons presentan una carácter figurativo.. Representan objetos, animales, personas o criaturas que son reconocibles como tales, mas allá de lo excéntrico que pueda ser el diseño o la elección de colores. La animación Experimental suele rehuir de la representación en el sentido que estamos acostumbrados a percibir. Re-definen el concepto de cuerpo o directamente dejan de usarlo. Están construidas fundamentalmente por el ritmo y el movimiento.

Continuidad específica - Discontinuidad específica: a pesar de que el escenario cambie locamente o sea ambiguo. En la animación ortodoxa siempre se mantiene una continuidad lógica. Esto se logra dándole prioridad al personaje y su situación. Podemos seguir la evolución del personaje y entendemos su modo de ser y sus problemas. En la animación Experiemtal se da un rechazo de la continuidad lógica y lineal; y se prioriza lo discontinuo, lo ilógico, lo irracional y algunas veces lo múltiple.

Forma narrativa-forma interpretativa: A pesar de que los primeros cartoons tenían una estructura basada en estructuras musicales. Lo mas frecuente es sin embargo tener conflictos de los personajes y escenas de persecución donde los escenarios comunes se van desestabilizando cada vez mas all ser objeto de fuerzas destructivas. Sin embargo la idea de una historia esta pautada por la existencia como anotaba antes de una continuidad lógica de las acciones. La esencia del la animación experimental es estética y no narrativa. Así algunas veces las convenciones estéticas sean sacrificadas en aras de desarrollar una diferente concepción de narrativa.

Evolución del contenido - evolución de la materialidad: Raramente la animación ortodoxa llama la atención sobre la manera como está hecha. Especialmente en el caso del hipe-realismo de Disney. El interés se centra en la construcción del personaje, en la determinación de los momentos cómicos y en sumergir al público en la evolución de la narración. La animación experimental muchas veces se concentra en la manera como esta hecha, el elemento expresivo del artista. Algunas veces las formas sugieren ciertas emociones o conceptos, pero es usual que simplemente estas características de la imagen estén pensadas para dar placer por si mismas.

Unidad de estilo - Estilos múltiples: normalmente durante el desarrollo de una animación se mantiene el estilo bidimensional sin cambio ni mezcla con otros modos de animación como si lo suele hacer la animación experimental. Además se suele mantener unidad de diseño. Esto puede afirmarse a pesar de que muchas veces se permiten cambios de estilo según momentos excepcionales de la narración. Estos cambio se incluyen dentro de la clave de diseño como una convención aceptada; super deformers, cambios del escenario por staying, etc. En la animación experimental es usual tanto la variabilidad de técnicas de realización como el cambio de diseño. Y la mezcla de estilos. Pueden convivir dibujos a mano con animación de objetos, personajes reales etc.

Ausencia del artista - Presencia del artista: la mano de l artista se diluye en la animación ortodoxa en medio del proceso industrial, se prioriza personajes, narrativa y estilo visual que el significado de la creación o su valor artístico. La mayoría de producciones son generadas dentro de estilo del estudio así la realización sea hecha por diferentes realizadores. Los film experimentales de animación son en general personales, subjetivos y reflejan claramente un específico punto de vista o modo de hacer del artista.

Dinámica de diálogo - Dinámica de la musicalidad: a pesar de que el componente mas importante de la animación es justamente la acción, en la animación Ortodoxa al darse prioridad al desarrollo de los personajes, el dialogo se vuelve fundamental para mostrar el carácter de los mismos. El diálogo ayuda también a construir gags y a hacer avanzar la acción. La animación experimental no suele tener diálogos en el sentido mas común del termino y presenta una fuerte relación con la música. Tanto como parte esencial de algunas piezas como sirviendo de modelo estructural para trabajos no directamente musicales.

Bienvenidos al blog de IAC1

2010-01-28T13:15:00.000-08:00

Hola gente

Este blog será uno de los medios para que intercambiemos información. Intentaré mantenerlo al día con informacion adicional a los temas de las clases. Tutoriales y filmografias pertinentes. Pueden también publicar sus comentarios.

Programa Sem I 2010

2010-01-28T13:08:00.000-08:00

Semana 1
Animación experimental

Presentación del programa
Visionado.

Semana 2
Imágenes en secuencia

Elementos básicos de la realización audiovisual
Que es un storyboard

Introducción a After effects
Se plantea ejercicio 1
Visionado.

Semana 3
La invención del movimiento
Trabajo sobre la línea de tiempo en After Effects. Key frames e interpolaciones.
El espacio tiempo y su situación en los nuevos medios. Tipos de estructuras temporales.
Trabajo en clase y cierre del ejercicio 1.

Semana 4
Figuración - abstracción
Sobre como la animación imposibilita tanto la abstracción como la representación pura.
Trabajo con capas en After Effects. Repetición. Extrañamiento de la imagen. tipos de mezcla. Imagen impura.

Lanzamiento del ejercicio 2 Figuración - abstracción
Visionado.

Semana 5
Ver el sonido
Relaciones entre la imagen y el sonido. Métodos de sincronía. Como trabajar sobre la onda en After Effects. Ejercitación en clase sobre sincronía de imagen y sonido.
Visionado.

Semana 6
Taller en clase y cierre del ejercicio 2

Semana 7
La ambigüedad como base de composición
La ambigüedad espacial y la inestabilidad como recurso expresivo.
Visionado.
Trabajo de rotoscopía en Flash y en After effects.
Lanzamiento del ejercicio 3. Retrato.

Semana 8
La ambigüedad como base de composición
Como recortar y reconstruir la realidad para generar nuevos sentidos. Trabajo de máscaras y Chroma Key en After Effects. Taller en clase sobre el ejercicio 3.

Semana 9
Videoarte I historia.

Primera entrega: Entrega escrita del tema del proyecto final. Discusión de los proyectos.
Visionado

Semana 10
Videoarte II

Entrega y evaluación del ejercicio 3

Visionado

Semana 11
Sin manos
Efectos, métodos de animación automática y el error como elementos compositivos. Ejercicio en clase sobre efectos.

Semana 12
Segunda entrega: Presentación pública de la Pre-producción del trabajo final.

Semana 13
Tutorías individuales sobre el trabajo final.

Semana 14
Tutorías individuales sobre el trabajo final.

Semana 15
Taller en clase sobre el trabajo final.

Semana 16
Entrega final del proyecto

2009-12-02T08:28:00.000-08:00

Hola gente.
Aqui van las notas finales.

	60,00%	40%	final

Ayerbe Moreno, Diego	43	45	44
Barajas Paes, Andres Felipe	37	45	40
Bernal Garzón, Jenny Julieth	37	30	34
Dimatteo Postiglione, Maria Agostina	39	36	38
Escobar Luna, Juan Camilo	36	42	38
Fernandez espinoza, Ivonne Carolina	30	40	34
Fuentes Quintero, Melissa Fernanda	36	0	22
Hernández Martínez, Nathalie Esperanza	38	45	41
Iregui Barrera, Bibiana	37	35	36
Moreno Espinel, Juan José	38	45	41
Obando Morales, Sandra Marcela	44	38	42
Pinzón Salavarrieta, Tatiana	43	50	46
Rubio Maldonado, Juanita Catalina	40	47	43
Salamanca Vásquez Nathalia Rebeca	38	30	35
Sánchez Escobar, Diana Carolina	41	40	41
Suarez Moreno, Sandra Milena	38	47	42
Tarazona Matiz, Johann	39	42	40
Vargas Verbel, María Isabel	38	0	23

2009-11-23T06:27:00.000-08:00

luego de algunas correcciones asi van las notas:

	intro	sinc	abs	Lips	so	retra	60%

Ayerbe Moreno, Diego
Barajas Paes, Andres Felipe	40			37	38		30
Bernal Garzón, Jenny Julieth	40		35	35	40	35	37
Dimatteo Postiglione, Maria Agostina	42		40	37	38	40	39
Escobar Luna, Juan Camilo				37	38	40	36
Fernandez espinoza, Ivonne Carolina				40			23
Fuentes Quintero, Melissa Fernanda			37		38	40	36
Hernández Martínez, Nathalie Esperanza	40	30		40	40	38	38
Iregui Barrera, Bibiana		38		30	38	38	35
Moreno Espinel, Juan José			40	37	38	37	36
Obando Morales, Sandra Marcela	40		40	42	42	50	44
Pinzón Salavarrieta, Tatiana	42		40	40	42	46	43
Rubio Maldonado, Juanita Catalina	42		40	35	40	40	40
Salamanca Vásquez Nathalia Rebeca	30		40	42	38	35	38
Sánchez Escobar, Diana Carolina			40	40	42	40	38
Suarez Moreno, Sandra Milena	40		40	35	38	38	38
Tarazona Matiz, Johann	40	40		35	40	38	39
Vargas Verbel, María Isabel	37		40	35			26

NOTAS 60%

2009-11-22T19:35:00.000-08:00

les pongo las notas del 60% y las notas de los ejercicios sueltos. De los ejercicios pequeños solo califique sobre 3 ejercicios de 4. Pero hay algunos que les hacen falta mas de dos. Por favor comuniquense conmigo si tiene algun problema con las notas.

escribanme a

animax@hotmail.com

	intro	sincro	abstraccion	lipsync	sonido	retrato	60,00%
DiMateo, agostina	42		40	37	38	40	39
Barajas, Andres	40			37	38		30
Bernal, Jenny	40		35	35	40	35	37
Obando, Sandra	40		40	42	42	50	44
Pinzon, Tatiana	42		40	40	42	46	43
Rubio, Juanita	42		40	35	40	40	40
Salamanca, Nathalia	30		40	42	38	35	38
Suarez, Sandra	40		40	35		38	32
Tarazona, Johann	40	40		35	40	38	39
Vargas, Maria	37		40	35			26
Moreno, Juan			40	37	38	37	36
Sanchez, Carolina			40	40	42	40	38
Escobar, Juan				37	38	40	36
Fuentes, Melisa			37		38	40	36
Iregui, Bibiana		38		30	38	38	35
Fernandez, Ivonne				40			23
Hernandez, Natalia	40			40	40	38	37

videoarte

2009-11-19T16:46:00.000-08:00

Una serie de páginas con informacion interesante sobre el videoarte.

http://www.videoartes.com/videoartes/Historia_Video_Arte.html

http://bitio.net/vac/

http://www.billviola.com/

http://www.mediatecaonline.net/mediatecaonline/STriaMat?termesel=Videoarte&ID_IDIOMA=es

http://hvideoarte.wordpress.com/2008/10/19/definicion-de-videoarte/

tutorías de trabajo final

2009-11-19T16:17:00.000-08:00

Hola gente,

En vista de que no puedo pasar por la universidad el próximo jueves, ya que estaré en el Loop, les propongo a quienes tengan dudas y/o problemas sobre el trabajo final que se acerquen a mi oficina el miercoles entre 10am y 1 pm.

Cll 18 No 6-24 of 501

tel 2844665

Si les interesa pueden encontrar información sobre Loop en

www.loop.la

Mucha suerte.

Filmografía ambigüedad

2009-10-02T22:07:00.000-07:00

Driessen, Paul
Home on the Rails (1981)
http://www.youtube.com/watch?v=fE27sDtF5dI

Dumala, Piotr
Nerwowe zycie kosmosu (1987)
http://www.youtube.com/watch?v=FXV_V3xu79E

Guimarães, Gustavo
videoclip de la canción Green Grass de Cibelle

Jones, Chuck
Duck Amuck, 7 min, Warner Brothers, USA (1953)
http://www.youtube.com/watch?v=V443AAad5aU

Leaf, Caroline
The Street, 10 min, NFBC, Canadá, (1976)
Two Sisters, 10 min, NFBC, Canadá, (1991)
http://www.youtube.com/watch?v=eq4GxS8Rzg8

Pavlatova, Michaela
Repete , Kratky Film Praha-Studio Bratri v Triku, 1994)
http://www.youtube.com/watch?v=v2QaMJj9-tweffects_cs4_help.pdf

Svankmajer,Jan
Hoznosti dialogu (dimensiones del diálogo), KrÃ¡tkÃ½ Film Praha-Jiri Trnka Studio, 11min. 46 seg., (1982)
http://www.youtube.com/watch?v=XM9AYf_4jtc

Entrega ejercicio de sincronía

2009-09-23T04:29:00.000-07:00

Hola gente. Un par de días tarde pero aquí van las especificaciones de la entrega del próximo jueves.

- Deben realizar una pieza de entre 30 y 60 segndos.
- La pieza debe estar estructurada a partir de un fragmento sonoro. Música, efecto, ruido, voz
- Pueden utilizarse elementos abstractos o figurativos pero la estructura de la pieza debe ser abstracta. No contar una historia, no tener un desarrollo dramático. El uso de la imagen debe ser musical: establecer ritmos, contrastes, contrapuntos, variaciones de tonoss etc.
- La pieza debe estar finalizada en after effects. El formato debe ser NtscDV. La compresión al momento de hacer el render debe ser H:264 y en la configuración de compresión deben escoger el preset NTSCdv calidad media.

Por otro lado recuerden que he perdido el disco duro con la información de todos vuestros trabajos. Así que deben trarme todos los trabajos que tengan.

- introducción
- control de la velocidad por curvas.
- Abstracción a partir de precomposiciones
- sincronía
- Lipsync

suerte a todos.

Filmografía sonido

2009-09-03T12:40:00.000-07:00

Cournoyer, Michaele

Le Chapeau, Canadá, NFBC (1999)

Disney, Walt

The Skeleton Dance, USA, (1929)

Disney, Walt-Iwerks, Ub

Steamboat Willie, Usa, (1927)

Fischinger, Oskar

Allegretto (1936)

Jones, Chuck

What's Opera, Doc, USA, WB, (1957)

Larkin, Ryan

Walking, Canadá, NFBC, (1968)

McLaren, Norman

Blinkity Blank, Canadá, NFBC-, (1955)

Canon, Canadá, NFBC, (1963)

Park, Nick

Creature Comforts, UK, Aardman, (1989)

Tilby, Wendy-Forbis,

When The Day Breaks, Canadá, NFBC, (1999)

filmografia abstracción

2009-08-28T10:17:00.000-07:00

Antonym
Vorwerk Ballet [online]
http://www.youtube.com/watch?v=l1v3t6w9PCg

Cédric Villain

Portraits ratés à Sainte-Hélène (2008)

Fischinger, Oskar

Allegretto (1936)

Lavillat, Alexis
Annecy 2008, trailer
http://www.youtube.com/watch?v=CcLQR9iZR20

Lokman, Adriaan

Barcode (2002)

McLaren, Norman

Blinkity Blank, Canadá, NFBC-, (1955)

Canon, Canadá, NFBC, (1963)

BegonDullCare, Canadá, NFBC, (1963)

Michel Gondry
Around The World - Daft Punk (1997)
http://www.youtube.com/watch? =K0HSD_i2DvA&feature=PlayList&p=EED4229C7441D0BC&playnext=1&index=4
Let Forever Be - The Chemical Brothers (1999)
http://www.youtube.com/watch?v=Hmpxsk3dHaA

Neubauer, Bärbel

Roots (1995)

Rybczynski, Zbig
Tango (1980)

Filmografía introducción

2009-08-13T14:01:00.000-07:00

Comley, Tom
Abigail, 6' 10'', UK, 2007
http://www.shortoftheweek.com/2007/11/05/abigail/

Driessen, Paul
El fin del mundo en cuatro estaciones, (La fin du monde en quatre saisons), 12 min 57 s , National Film Board of Canada, (1995)
http://www3.nfb.ca/collection/films/fiche/?id=32772

Hilton, Stuart
Save me, 6 min 10 sec, uk, (1994)
http://www.youtube.com/watch?v=hX2PY2vy-4Q

Hoogerbrugge, Hans
Holanda, [online]
http://www.hoogerbrugge.com/work/animation/

Quinn, Joanna
Dreams and Desires - Family Ties, uk, 2006

Programa segundo semestre 2009

2009-08-13T13:26:00.000-07:00

Bueno gente, bienvenidos a esta edicion del curso Imagen digital. Para comenzar les dejo aqui abajo la versión actualizada del progra de este semestre.

Semana 1
Producción contra autoría
Presentación del programa
Visionado.

Semana 2
Principios básicos
Introducción a After effects
Elementos básicos de la realización audiovisual
Que es un storyboard
Se plantea ejercicio 1
Visionado.

Semana 3
La invención del movimiento
Trabajo sobre la línea de tiempo en After Effects. Key frames e interpolaciones.
El espacio tiempo y su situación en los nuevos medios. Tipos de estructuras temporales.
Trabajo en clase y cierre del ejercicio 1.

Semana 4
Figuración - abstracción
Sobre como la animación imposibilita tanto la abstracción como la representación pura.
Trabajo con capas en After Effects. Repetición. Extrañamiento de la imagen. tipos de mezcla. Imagen impura. Lanzamiento del ejercicio 2 Figuración - abstracción
Visionado.

Semana 5
Ver el sonido
Relaciones entre la imagen y el sonido. Métodos de sincronía. Como trabajar sobre la onda en After Effects. Ejercitación en clase sobre sincronía de imagen y sonido.
Visionado.

Semana 6
Taller en clase y cierre del ejercicio 2

Semana 7
La ambigüedad como base de composición
La ambigüedad espacial y la inestabilidad del personaje como recurso expresivo.
Visionado.
Trabajo de rotoscopía en Flash y en After effects.
Lanzamiento del ejercicio 3. Retrato.

Semana 8
Decoupage
Como recortar y reconstruir la realidad para generar nuevos sentidos. Trabajo de máscaras y Chroma Key en After Effects. Taller en clase sobre el ejercicio 3.

Semana 9
Primera entrega: Entrega escrita del tema del proyecto final. Discusión de los proyectos.
Videoarte historia.
Visionado

Semana 10
Entrega y evaluación del ejercicio 3
Visionado

Semana 11
Sin manos
Efectos, métodos de animación automática y el error como elementos compositivos. Ejercicio en clase sobre efectos.

Semana 12
Segunda entrega: Presentación pública de la Pre-producción del trabajo final.

Semana 13
Tutorías individuales sobre el trabajo final.

Semana 14
Tutorías individuales sobre el trabajo final.

Semana 15
Taller en clase sobre el trabajo final.

Semana 16
Entrega final del proyecto

Proyecto de Trabajo final

2009-04-21T07:33:00.000-07:00

Hola a todos,

Les informo a todos que deben enviarme en formato PDF la propuesta definitiva del tabajo final.

TIENEN COMO LIMITE ESTA SEMANA PARA HACERME LLEGAR SUS PROYECTOS A:

animax@hotmail.com

La propuesta debe contener:

1- Descripción general del proyecto.
Que quiero hacer, cuales son las ideas visuales, cuales son las ideas en relación con el sonido.

2- Referentes.
Incluir imagenes, ilustraciones, fotos, en caso de videos envienme el link o el nombre del video. Los referentes deben ir acompañados de texto que describa que me interesa de cada referente en particular. El color, la luz, la composición, el tipo de personajes, el estilo de la animación, los recursos narrativos etc.

3- Estructura.
Necesito una planeación estructural de la pieza, preferiblemente un Storyboard.

Un storyboard debe tener una imagen para cada plano del corto.
Deben estar numeradas.
Tener la duracion aproximada de cada plano.
las viñetas deben tener la misma proporción que la película.
Debe tener una descripción de lo que ocurre
Debe tener una descricción de lo que se escucha.

Aquí les dejo algunos links con ejemplos de storyboards y de formatos.

ejemplos de storyboards
http://www.storyboards-east.com/storybrd.htm
http://www.ferminfleites.com/zonastory.html
http://www.fuse-studio.co.uk/?cat=14

ejemplos de animaticas
http://www.storyboards-east.com/animat.htm

formatos de story board
http://edweb.sdsu.edu/courses/edtec532_saba/downloads/StoryBoardFormat.pdf
http://www.nationalhistoryday.org/images/uploads/StoryBoardSheet.pdf
http://www.xinsight.ca/tools/storyboard.html
http://karenjlloyd.com/blog/free-storyboard-template-downloads/

4- Cronograma.

Nos vemos

Filmografía sonido

2009-04-20T11:25:00.000-07:00

Cournoyer, Michaele

Le Chapeau, Canadá, NFBC (1999)

Disney, Walt

The Skeleton Dance, USA, (1929)

Disney, Walt-Iwerks, Ub

Steamboat Willie, Usa, (1927)

Fischinger, Oskar

Allegretto (1936)

Jones, Chuck

What's Opera, Doc, USA, WB, (1957)

Larkin, Ryan

Walking, Canadá, NFBC, (1968)

McLaren, Norman

Blinkity Blank, Canadá, NFBC-, (1955)

Canon, Canadá, NFBC, (1963)

Park, Nick

Creature Comforts, UK, Aardman, (1989)

Tilby, Wendy-Forbis,

When The Day Breaks, Canadá, NFBC, (1999)

Máscaras, alphas y chromas

2009-03-30T10:37:00.000-07:00

Una de las necesidades para todo proceso de composición es la posibilidad de recortar partes de una imagen para dejar ver la imagen o imágenes que se encuentran en capas inferiores. Esta era la posibilidad que brindaba en el cine químico la truca. Por medio de máscaras o utilizando películas que filtraban cierto tono de color volviéndolo transparente en el negativo. De este modo se podían superponer capas de imagen creando efectos complejos.

Chroma Key

En 1920 C. Dodge Dunning patentó un sistema al que llamó Dunning Travelling Mate. Dunning, aprovechó las características de la película ortocromática que era muy sensible a las frecuencias azules, y poco al resto, y casi nada al rojo, siendo ésta la razón original que promovió el uso del azul como fondo para extracción de mattes. Esto ha cambiado con el advenimiento del chroma digital usándose hoy en día mucho mas el verde. Por ser un color menos ruidoso y requerir menos iluminación.

Básicamente la técnica del chroma consiste en capturar las imágenes sobre un fondo de color plano, verde o azul normalmente aunque se puede utilizar cualquier color, y extraer en post-producción ese color volviéndolo transparente.

Para filmar secuencias para chroma es importante:

Disponer de un fondo de color plano homogéneo. Se suele trabajar en estudio con un sin fin. Aunque es posible trabajar contra una pared de color plano o utilizar un cielo especialmente profundo.

El fondo sinfin este iluminado de modo parejo, usualmente con luz difusa.

Utilizar fuente de luz diferentes para el fondo y para los personajes. Para evitar producir sombras sobre el fondo.
Disponer de la mayor distancia posible entre las figura y el fondo tambien para evitar las sombras.
Disponer de la mejor calidad posible de imagen. En video conviene evitar el interlaced en muchas cámaras modernas es posible escoger entra la filmación por campos o progresiva. Esta última nos dará la mejor calidad para el chroma.
Procurar que el color que se use de fondo no se encuentre en la figura.

Problemas usuales

Reflejos : Si en la acción intervienen elementos relucientes estos reflejaran el fondo neutro sobre el que se graba y serán borrados junto con este.

Luz sobre los personajes: Si los actores reciben contraluz azul ( u otro próximo a ese espectro ) en el montaje final se verán rodeados por un pequeño halo de este color. Para evitarlo y siempre que no sea posible iluminarlos con otros colores se debe sustituir el fondo azul por uno de otro color ( verde, amarillo o rojo ).

Mas información:

http://www.fxguide.com/article314.html&mode=nested

http://www.loresdelsith.net/3po/rep/c_blue.htm

Filtros de Choma key en After Effects

Chroma key, clave lineal o Incrustacion por croma.

Es el más sencillo de los filtros de chroma key. Eliminación de un color específico. Funciona bien cuando las imágenes están muy bien tomadas.

Seleccione la capa.
Elija Efecto > Incrustación > Incrustación por croma o Efecto > clave > clave lineal o Effecs > Keying > Chroma Key
En el panel Controles de efectos, especifique una incrustación por croma de una de las siguientes maneras:
Haga clic en la muestra de incrustación por croma para abrir el cuadro de diálogo Color y especifique un color.
Haga clic en el cuentagotas y, a continuación, en un color en la pantalla.
Arrastre el control deslizante Tolerancia de color para especificar la gama de colores que desea eliminar. Los valores bajos eliminan una gama menor de colores próximos a la incrustación por croma. Los valores altos eliminan una gama mayor de colores.
Arrastre el regulador Estrechamiento de borde para ajustar la anchura del borde del área incrustada. Los valores positivos amplían la máscara, aumentando así el área transparente. Los valores negativos reducen la máscara, disminuyendo así el área transparente.
Arrastre el control deslizante Suavizado de borde para especificar el suavizado del borde. Los valores altos crean un borde más suave, pero el procesamiento lleva más tiempo.

Gama de colores

Este efecto permite realizar cromas a pesar de que el fondo tenga mas un color o cuando el fondo de tono continuo no esta iluminado de forma pareja. Funciona agregando tonos de color que amplían el rango de recorte.

Seleccione la capa que desea volver transparente y, a continuación, elija Efecto > Incrustación > Gama de colores o Effects > Keying > Color Range.

Elija Lab, YUV o RGB en el menú Espacio de color. Si tiene problemas para aislar el sujeto utilizando un espacio de color, pruebe a utilizar otro.
Seleccione el cuentagotas Incrustación por croma y, a continuación, haga clic en la miniatura del mate para seleccionar el área correspondiente a un color que desee volver transparente en el panel Composición. Normalmente, este primer color es el que cubre el área más grande de la imagen.

Nota: Para utilizar los cuentagotas en el panel Capa, elija Gama de colores en el menú Vista de este panel.

Seleccione el cuentagotas Más y, a continuación, haga clic en otras áreas en la miniatura del mate para agregar otros colores o sombras a la gama de colores eliminados para crear transparencia.
Seleccione el cuentagotas Menos y, a continuación, haga clic en otras áreas en la miniatura del mate para quitar otros colores o sombras de la gama de colores eliminados.
Arrastre el control deslizante Tolerancia para suavizar los bordes entre las zonas transparentes y las opacas.
Utilice los controles deslizantes de los controles Mín./Máx. para afinar la gama de colores seleccionada con los cuentagotas Más y Menos. Los controles deslizantes L, Y, R controlan el primer componente del espacio de color especificado; los controles deslizantes a, U, G controlan el segundo componente; y los controles deslizantes b, V, B controlan el tercer componente. Arrastre los controles deslizantes de Mín para afinar el principio de la gama de colores. Arrastre los controles deslizantes de Máx para afinar el final de la gama de colores.

Keylight

El key light es un filtro de croma profesional. Es el mas poderoso de los tres y es capaz de obtener recortes de alta calidad a pesar de que las condiciones de la toma no sean ideales.

El keylight es un filtro complejo que tiene muchas opciones editables. Les dejo el link a un tutorial sencillo que da una vista general de su uso.

http://www.adobe.com/designcenter/aftereffects/articles/aft7at_keylight.html

Luma Key

El Luma Key genera un recorte a partir de el análisis de las intensidades de luz de la imagen. Su ventaja principal es que elimina el problema d ella incidencia del color del fondo sobre la figura que tiene el croma.

Seleccione la capa y elija Efecto > Incrustación > Incrustación por luminancia
Seleccione un tipo de incrustación para especificar la gama que desea eliminar.
Arrastre el regulador de Umbral en el panel Controles de efectos para definir el valor de luminancia en que desea que se base el mate.
Arrastre el control deslizante Tolerancia para especificar el intervalo de valores que desea eliminar. Los valores bajos eliminan un intervalo menor de valores próximos al umbral. Los valores altos eliminan un intervalo mayor de valores.
Arrastre el regulador Estrechamiento de borde para ajustar la anchura del borde del área incrustada. Los valores positivos amplían la máscara, aumentando así el área transparente. Los valores negativos reducen la máscara.
Arrastre el control deslizante Suavizado de borde para especificar el suavizado del borde. Los valores altos crean un borde más suave, pero el procesamiento lleva más tiempo.

Blending Modes

2009-03-08T21:40:00.000-07:00

Los Blending modes o modos de mezcla de capa definen la manera como una capa determinada interacciona con lac capas que estan por debajo. Son similarfes a las opciones de capa en Photoshop. La gama de operaciones son variadas y permiten mezclar las imagenes de maneras mas complejas que la simple transparencia.

Podemos acceder a los Blending modes dando boton derecho sobre la capa y escogiendo en el menú la opcióin blending modes o activando yambien con boton derecho sobre la barra de columns la columna Modes.

Para tener una referencia soibre el modo como trabajan las opciones de capas pueden remitirse al manual de after effects en linea:

http://help.adobe.com/en_US/AfterEffects/9.0/WS3878526689cb91655866c1103906c6dea-7d0aa.html

http://help.adobe.com/en_US/AfterEffects/9.0/WSFB0FE760-71F3-4616-AE88-275D718E7125a.html

Si quieren descargar el manual completo:

http://help.adobe.com/en_US/AfterEffects/9.0/after_effects_cs4_help.pdf

filmografía abstracción

2009-03-05T11:59:00.000-08:00

Michel Gondry
Around The World - Daft Punk (1997)
http://www.youtube.com/watch? =K0HSD_i2DvA&feature=PlayList&p=EED4229C7441D0BC&playnext=1&index=4
Let Forever Be - The Chemical Brothers (1999)
http://www.youtube.com/watch?v=Hmpxsk3dHaA

Antonym
Vorwerk Ballet [online]
http://www.youtube.com/watch?v=l1v3t6w9PCg

Lavillat, Alexis
Annecy 2008, trailer
http://www.youtube.com/watch?v=CcLQR9iZR20

fimografia introduccion

2009-03-04T08:09:00.001-08:00

Comley, Tom
Abigail, 6' 10'', UK, 2007
http://www.shortoftheweek.com/2007/11/05/abigail/

Driessen, Paul
El fin del mundo en cuatro estaciones, (La fin du monde en quatre saisons), 12 min 57 s , National Film Board of Canada, (1995)
http://www3.nfb.ca/collection/films/fiche/?id=32772

Hilton, Stuart
Save me, 6 min 10 sec, uk, (1994)
http://www.youtube.com/watch?v=hX2PY2vy-4Q

Hoogerbrugge, Hans
Holanda, [online]
http://www.hoogerbrugge.com/work/animation/

Norstein, Yuri
Tale of tales (Skazka skazok ), 29 min. 3 sec., URSS, (1979)
http://www.youtube.com/watch?v=i4U_xk6CKI0

Smith, Pat
Drink, , 35 mm, 5', USA, 2000
http://www.squarefootagefilms.com/smith/drink.html

Programa asignatura

2009-03-04T07:33:00.000-08:00

Un poco tarde pero aqui esta el programa. Algunas clases se han variado teniendo en cuenta los avances en los ocntenidos pero en esencia seguimos el plan.

Semana 1

Producción contra autoría

Presentación del programa

Elementos básicos de la realización audiovisual

Visionado.

Se plantea ejercicio 1 Introducción.

Semana 2

El medio es el diseño

Introducción a After effects (interfase y principios básicos)

Planteamiento Storyboard - animática

Visionado.

Semana 3

La invención del movimiento

Trabajo sobre la linea de tiempo en After Effects. Key frames e interpolaciones.

El espacio tiempo y su situación en los nuevos medios. Tipos de estructuras temporales.

Trabajo en clase y cierre del ejercicio 1.

Semana 4

Figuración - abstracción

Sobre como la animación imposibilita tanto la abstracción como la representación pura.

Trabajo con capas en After Effects. Repetición. Extrañamiento de la imagen. tipos de mezcla. Imagen impura. Lanzamiento del ejercicio 2 Figuración - abstracción

Visionado.

Semana 5

Taller en clase y cierre del ejercicio 2

Semana 6

La ambigüedad como base de composición

La ambigüedad espacial y la inestabilidad del personaje como recurso expresivo.

Visionado.

Trabajo de rotoscopía en Flash y en After effects.

Lanzamiento del ejercicio 3. Retrato.

Semana 7

Decoupage

Como recortar y reconstruir la realidad para generar nuevos sentidos. Trabajo de máscaras y Chroma Key en After Effects. Taller en clase sobre el ejercicio 3.

Semana 8

Entrega y evaluación del ejercicio 3

Visionado

Semana 9

Ver el sonido

Relaciones entre la imagen y el sonido. Métodos de sincronía. Como trabajar sobre la onda en After Effects. Ejercitación en clase sobre sincronía de imagen y sonido.TR

Visionado.

Semana 10

Primera entrega: Entrega escrita del tema del proyecto final. Discusión de los proyectos.

Semana 11

Sin manos I

Efectos, métodos de animación automática y el error como elementos compositivos. Ejercicio en clase sobre efectos.

Semana 12

Segunda entrega: Presentación pública de la Pre-producción del trabajo final.

Semana 13

Sin manos II

Ejercicio en clase sobre efectos.

Semana 14

Tutorías individuales sobre el trabajo final.

Semana 15

Taller en clase sobre el trabajo final.

Semana 16

Entrega final del proyecto

Elementos esenciales de la narracion audiovisual

2009-02-23T09:41:00.000-08:00

Tipos de plano

La escala
La escala es determinada en un rodaje real por:

El tamaño del objeto
La distancia entre la camara y el objeto

El objetivo empleado

Existen distintas nomenclaturas de planos que varian de una experiencia productiva a otra, pero todas toman como referencia de escala la figura humana y el rostro.

Planos Generales

Necesariamente, el interés en estos planos tan abiertos tiende a abandonar las figuras de los personajes y a quedarse con el todo, con una globalidad frente a la individualidad. Sin embargo, en ocasiones, pueden ser usados como recurso expresivo para destacar, por ejemplo, la soledad de un personaje situando su pequeña figura vista a lo lejos caminado por un desierto. Los planos generales son de carácter informativo y sirven sobre todo para describir acciones físicas. O para plantear localizaciones. Su tamaño puede variar desde una figura de cuerpo entero hasta una toma de la tierra hecha desde un satélite. Se suelen clasificar en:

Gran Plano General GPG

Llamado también Vista General, se utiliza para dar una visión panorámica de un paisaje o ciudad, estableciendo el escenario en que se desarrollará la acción. Este tipo de plano también sirve para presentar a una pequeña figura ante un vasto panorama, comunicando así sensación de aislamiento. No se reconocen individuos.
John Ford, La diligencia

Plano General Largo PGL

Se utiliza también para describir acción. Es muy util para mostar el comportamiento de masas humanas, manadas, o conjutos de vehiculos. Tambien puede usasrse como plano de ubicación espacial de la escena.
Lars Von Trier, Europa

Plano general PG
Tambien se centra en la acción. Aqui podemos reconocer elementos concretos, y personajes por sus caracteristicas de movimiento, pero predomina el grupo Puede actuar como un gran plano maestro desde el cual se registra toda la escena para luego añadir insertos mas cercanos.
Lars Von Trier, Europa

Plano General Corto PGC
Tambien llamado plano entero. El tamaño del plano esta determinado por los límites superior e inferior de la figura captada. Se centra en la acción. Puede contener grupos.
Orson Welles, El Extraño

Planos medios
A diferencia de los planos generales, los planos medios pueden ya centrarse en el individuo. Son ideales para mostrar relaciones entre personajes. Tambien son muy utilizados por su capacidad de mostrar actividad y a la vez la expresividad del rostro.

Plano Americano PA
También llamado plano 3/4. Encuadra al actor desde la cabeza hasta arriba de las rodillas, se llama americano porque se utilizó con profusión en los westerns ya que servía a la perfección para encuadrar al pistolero hasta la altura a la que llegaba su pistolera atada al muslo. En este plano, además de varios personajes, pueden aparecer más detalles del entorno en el que se halla el personaje si bien el interés está en la acción que desarrolla el actor.
David Lynch, Mulholland Drive

Plano Medio PM
El plano medio va de la cintura hacia arriba hasta llegar a la cabeza. Revela lo suficiente del rostro como para interesar al espectador en lo que dice o piensa, aunque no tanto como para que sólo se interese por dicho sujeto. Este plano admite dos o más personas en pantalla, cuyas reacciones puedan ser perfectamente visibles. Estos planos situados hacia la mitad de la escala son los más adecuados para las escenas de diálogo.
Lars Von Trier, Europa

Primeros Planos
Emmarcas el rostro del personaje y parte de los hombros. Predominan en este la expresión facial y los dialogos. Son planos que sirven para mostrar las emociones o el estado anímico del personaje y sus reacciones ante lo que está sucediendo. Su uso nos acerca a la comprensión de la psicología del personaje y nos lo hace más próximo. Se clasifican en:

Primer Plano Largo PPL
Muestra el rostro y una porción significatica de los hombros.
Lars Von Trier, Europa

Primer Plano PP
Encuadra el rostro completo y una pequeña porcion de los hombros.
Lars Von Trier, Europa

Primer Plano Corto PPC
Enmarca únicamente la cara, a veces recortando un poco la frente y/o la barbilla.
Orson Welles, El Extraño

Primerísimo Primer plano PPP
También llamado plano detalle o plano inserto, es el que registra objetos o partes del cuerpo, como las manos, los ojos o la boca.
David Lynch, Mulholland Drive

Plano de Conjunto PC
Plano Sencillo PS
Plano de 2 P2
Plano de 3 P3

Ángulos de camara

Según la altura desde la cual se toma al Personaje

A Nivel
También llamado Perpendicular o Normal es él más usado. Se entiende en un guión si no se propone otro tipo de ángulo que el plano es perpendicular. Se establece como Nivel la altura de los ojos del personaje. Es él más neutro.
Lars Von Trier, Europa

Picado
La cámara se ubica por encima de los personajes. Suele dar una sensación de vértigo, inferioridad del personaje que aparece, amenaza que se cierne sobre él, pequeñez del mismo, inestabilidad, etc. La perspectiva provoca que la parte superior del cuerpo parezca más grande que la inferior
David Lynch, Mulholland Drive

Contrapicado
La cámara se situa a una altura inferior a los ojos del personaje y lo filma desde abajo. Se suele emplear para dar una apariencia colosal a los personajes o conferirles un halo de superioridad o sugerir que se hallan (físicamente) a una mayor altura que los otros actores. El cuerpo filmado de esta forma adquiere una estructura triángular con la cabeza como vértice superior que se achata progresivamente.
Carl Dreyer, La pasion de Juana de Arco

Contrapicado Extremo
También llamado Vista de Gusano. La cámara se coloca bajo los personajes. La apariencia colosal se acentúa.

Cenital
También llamado de vista de pájaro. La cámara se ubica por encima de los personajes en un angulo perpendicular al suelo. Resta humanidad a los personajes, priman las acciones o la ubicación.
Lars Von Trier, Europa

Según la ubicación de la cámara sobre la horizontal

Frontal
Se toma al personaje de frente. Este ángulo aplana el rostro, da la sensación de una exposición ditrecta a la cámara, es el que se usa en los telediarios para la lectura de noticias.

Posterior
Se toma el personaje desde atrás. Es un angulo en el que predomina la acción del cuerpo. Puede servir también para generar suspenso por el ocultamiento del rostro. Puede dar la sensación de alguien vigilando o espiando.
David Lynch, Mulholland Drive

¾ o 45 grados
Se toma al personaje desde un angulo de 45 grados sobre el eje vertical. Es uno de los mejores ángulos para tomar rostros y desarrollar diálogos. Puede ser Izquierdo o derecho y frontal o posterior dependiendo de la ubicación de la cámara
Orson Welles, El Extraño

- Lateral
Se toma el personaje de perfil. Vemos la fisonomía del rostro. O las acciones recortadas. Da una fuerte sensación de dirección el personaje se dirige hacia algún Lado o enfrenta su destino. Es un tipo de plano que genera un cierto extrañamiento. En la percepción cotidiana no vemos a las personas de perfil. Puede ser derecho o izquierdo.
Lars Von Trier, Europa

Movimientos de cámara

Funciones:
1 – Acompañamiento de un personaje en movimiento
2 – Creación de la ilusión de movimiento
3 – Descripción de un espacio, acción o contexto.
4 – Definición de relaciones espaciales entre elementos de la acción.
5 – Relieve dramático de un personaje o un objeto.
6 – Expresión subjetiva de la visión de un personaje.
7 – Expresión de la tensión mental de un personaje.

Panorámicas
Consiste en hacer girar la cámara sobre su eje ya sea en la vertical o en la horizontal las hay de varios tipos:

Cabeceo
Cambien conocido como Tilt. Es un giro de la cámara hacia arriba o hacia abajo que corresponde al movimiento de la cabeza al afirmar algo. Es muy descriptivo. Se usa mucho para mostrar personajes por primera vez deteniéndose en sus características, vestuario, actitud, belleza o fealdad. Puede ser Tilt-Down o Tilt-Up.

Paneo
Es un giro de cámara que corresponde al movimiento de la cabeza al negar algo. Cambien es un movimiento muy descriptivo. Principalmente se utiliza para presentar espacios o estados de los lugares. Puede ser a la derecha o a la izquierda.
Travellings o desplazamientos
Consisten en mover la cámara con todo y su soporte por el espacio.

Dolly
Consiste en desplazar la cámara con todo y soporte hacia adelante o hacia atras, Dolly-in, Dolly-back. Contribuye a involucrar al espectador en la acción induciendolo a centrar su atención sobre algun aspecto de la escena. Un Dolly-In puede hacer enfasis en el estado psicologico de un personaje o puede llevarnos a conferir importancia a una acción determinado sobre otras que simultaneamente tienen lugar en el cuadro. El Dolly-back nos da una sensación distinta, parece que fuesemos de espaldas y habandonamos al personaje, tambien nos desvela un entorno que no veiamos antes y que puede ser sorpresivo.

Traveling lateral
Llamamos traveling lateral a desplazamientos de la cámara y su eje. Puede ser a la derecha o hacia la izquierda. Se usa mucho para seguir personajes en su desplazamiento y para describir espacios.

Zoom
Es un cambio de la óptica de la cámara que cierra o abre el angulo de visión de la misma. Da la sensación de alejarse o de acercarse al personaje. La principal diferencia con el Dolly esta en la perspectiva. Un Zoom-in aplana la perspectiva, la imagen parece tener menos profundidad y todos los elementos parecen encontrase a muy poca distancia unos de otros, el Zoom-Out en cambio da mas sensación de profundidad y de distancia.

Grúa
Permite el desplazamiento de la cámara en las tres dimensiones del espacio simultáneamente. La cámara puede moverse siguiendo personajes o recorriendo escenarios. Es muy útil cuando se pretende solucionar una escena con un solo plano, pues permite efectuar complicados re-encuadres y seguimientos de la acción.

Trayectoria
Tambien llamada Flaying camera. En este tipo de movimiento la camara sigue un recorrido libre por el espacio. El tipo d emovimiento que podria hacerse desde un helicoptero. En animación tridimensional se abusó durante un tiempo de este tipo de movimientos.

Cámara al Hombro
Los movimientos pueden ser realizados con cámara al hombro haciéndolos más frescos al permitir improvisación y búsqueda intuitiva de encuadres. Cuando la cámara evidentemente encarna la percepción de un personaje la llamaremos Cámara Subjetiva
Formas de pasar de un plano a otro

Corte
Es un cambio brusco de un plano a otro es el mas discontinuo de los tipos de paso. Existen tecnicas para mantener la fluidez Raccord entre planos a pesar del corte.

Fundido encadenado Cross-Fade
Consiste en pasar por disolvencia de un plano a otro superponiéndose en transparencia en la transición. Cuando es muy lento el paso o cuando ¡mantenemos ambos planos superpuestos por un periodo largo de tiempo, más de un segundo, lo llamamos Sobreimpresión

Fundido a Negro Fade-Out
Pasamos de la Imagen a un plano negro. Sirve para cerrar Secuencias o para dar sensación de paso de tiempo, también se utiliza usualmente para finalizar la narración.

Fundido desde Negro Fade-In
Pasamos de Negro por disolvencia a Imagen, método usual de comenzar escenas o de iniciar la narración. También puede dar la sensación de despertar.

Fundido a Color
A veces necesitamos fundir hacia o desde un color para acentuar el tono emocional o algún significado dentro de la estructura del filme, se indica Fade a y el color seleccionado. O Fundido a.

Cortinillas
También conocidos como Wipes son más comunes en el video aunque también se ha utilizado en algunos filmes, se trata de dividir el cuadro con alguna forma que recorta la imagen y deja ver progresivamente el plano siguiente o un fondo negro o de color. Hay un amplio repertorio de Wipes siendo los más comunes los circulares, los verticales y horizontales.

Viñetas
Las viñetas son un tipo especial de cortinilla que no necesariamente pasa de una imagen a otra. Hay dos tipos de viñetas; las que enmarcan una sola imagen, recortando el encuadre. Y las que subdividen la pantalla haciendo que en cada segmento avance una parte diferente de la acción.

Efecto
Llamamos efecto a cualquier tipo no habitual de transición de un plano a otro, en la animación se permiten transiciones evolutivas o continuas donde no se ve claramente el corte al pasar de un momento a otro. Se puede marcar como Efecto o Pasa sin corte o esta permitido crear una definición mas concreta si se tiene definido de ante mano el tipo de efecto de transición, por ejemplo un flash.

Metamorfosis
Puede considerarse que la metamorfosis es un tipo de efecto. Es una de las características diferenciales de la animación en relación con la cinematografía de imagen real. Llamamos metamorfosis al cambio gradual de un objeto o un personaje en otro. La metamorfosis hace que la continuidad entre un momento y otro de la narración sea absoluta generando un fuerte efecto de continuidad.

produccion

2009-02-23T09:02:00.001-08:00

les dejo este esquema d euna producción independiente en animación. Esta orientado especialmente a la producción de cortometrajes en animación tridimensional por ordenador. Asi que algunas de las etapas, especialmente en el segmento de producción, no son aplicables al tipo de trabajo que haremos en el curso. Lo importante es tener siempre en cuenta que una planeación adecuada de producción es lo que realmente nos da libertad para crear con los recursos dispinibles.

2009-02-23T08:18:00.000-08:00

Esta estructura es un resumen de diversas teorias sobre el montaje. Incluye algunas específicidades de la animación. Es importante tener en cuenta que la narración es apenas una de las claves estructurales de una peza audiovisual. Otras lógicas musicales, formales, discursivas etc son posibles.

saludos

2009-02-23T08:09:00.001-08:00

Hola gente,

En vista que nunca apareció la famosa direccíón de correo para cfompartir archivos, estoyh abriendo este blog para dejarles material sobre la materia y compartir opinioones. Bienvenidos.